Государственный Эрмитаж (16 открыток)
Шрифт:
РОГИР ВАН ДЕР ВЕЙДЕН (около 1400 — 1464)
Нидерландская школа
Святой Лука, рисующий мадонну.
Около 1435 — 1440
Холст, масло, переведена с дерева. 102 X 108,5
Государственный Эрмитаж
Рогир ван дер Вейден — один из основоположников искусства Северной Европы эпохи Ренессанса, автор композиций на евангельские темы и портретов. Его творчество пронизывает активный интерес к миру реальных человеческих чувств и окружающей человека действительности. «Святой Лука» — одна из первых в европейском искусстве композиций на тему «художник и его модель». Сюжет картины восходит к апокрифу VI века, согласно которому Лука, автор одного из четырех евангелий, написал первый портрет Богоматери и младенца Христа. В позднее средневековье и в эпоху Возрождения св. Лука считался покровителем художников. Его изображения в виде живописца появились в западноевропейском искусстве в XIV веке. На картине Рогира обращает на себя внимание яркая портретная характеристика Луки, что породило гипотезу об автопортретности этого образа, которая, впрочем, не была подтверждена неоспоримыми аргументами. Важное место в картине занимает пейзаж — вид на город, расположенный на берегу реки. Несмотря на то, что пейзаж у Рогира, как правило, всего лишь фон
Немецкая школа
Женский портрет. 1526
Дерево, масло. 88,5 х 58,6
Государственный Эрмитаж
Большую часть жизни Лукас Кранах Старший — один из ведущих художников немецкого Ренессанса — провел в столице Саксонии городе Виттенберге, ставшем в эпоху Реформации идеологическим центром Германии (именно здесь развернул свою деятельность Мартин Лютер). Творческие интересы и устремления художника были необычайно разнообразны. Среди его многочисленных живописных и графических произведений — композиции на античные и библейско-евангельские темы, аллегории и жанрово-назидательные сценки, изображения охот, портреты, сатирические гравюры, высмеивающие католическую церковь. Для созданной Крана-хом на протяжении 1510 — 1520-х годов портретной галереи деятелей Реформации и саксонской аристократии характерны индивидуализация образов, отчетливая реалистическая тенденция. В портретах, написанных позднее, после поражения народно-демократического движения в Германии, выходят на первый план эстетические идеалы придворного искусства — красота и благородство облика моделей подчас оборачиваются красивостью, изысканность исполнения — самодовлеющей изощренностью мастерства. В «Женском портрете», относящемся к последним годам расцвета кранаховского искусства, художник воплотил свой идеал женской красоты — не случайно это же лицо встречается в ряде его сюжетных композиций. В основе созданного живописцем образа — портретные черты двух женщин: принцессы Сивиллы Киевской и Катарины фон Бора, жены Лютера. В фантастическом пейзаже с замком на заднем плане отчетливо слышны отголоски готического искусства. Виртуозно написана одежда кранаховской красавицы: прекрасно переданы фактура и рисунок тканей, подробно, до мельчайших деталей показаны все украшения. Но подчеркнуто великолепный антураж в этой картине, в отличие от более поздних произведений Кранаха, не затмевает образ портретируемой.
Фламандская школа
Пейзаж с возчиками камней.
Около 1620
Холст, масло, переведена с дерева. 87 X 129
Государственный Эрмитаж
Фламандской школе живописи XV11 века присущи подчеркнутый интерес к многообразию окружающего мира, к активным проявлениям эмоциональной жизни человека. Глава школы — Рубенс по глубине и универсальности своих знаний, многогранности дарования сопоставим с величайшими мастерами Возрождения. Его талант проявился не только в различных областях изобразительного искусства: он добился больших успехов на дипломатическом поприще, его эпистолярное наследие считается значительным явлением в истории нидерландской литературы. Один из создателей стиля барокко в живописи, Рубенс оказал сильное влияние на фламандское искусство своего времени. Для его картин характерны динамика и драматизм, монументальность форм, осмысление первооснов бытия в философских категориях. Главная тема «Пейзажа с возчиками камней» — стихия и люди, противоборство человека с необузданными силами природы. Ощущение драматической схватки чувствуется во всем образном строе картины; пастозные мазки подчеркивают напряженность действия. Показывая не конкретный мотив, а обобщенный образ природы, Рубенс продолжает традиции нидерландского искусства XV–XVI веков. Пейзаж на втором плане — слева и справа от вздыбившихся скал — изображен в разном освещении: дневном и ночном. Это противопоставление подчеркивает, что происходящее на картине имеет как бы вневременной, абсолютный характер. Использование подобных приемов аллегорическо-литературного плана, получивших в западноевропейской живописи второй половины XVI–XVII веков широкое распространение, нередко приводило к тому, что картина превращалась в сложный символический «текст», прочтение которого было под силу лишь немногочисленным знатокам. Обращаясь к языку аллегории, Рубене, как правило, избегал подобных крайностей, созданные им символические образы не утрачивали силы своего эмоционального воздействия.
Фламандская школа
Семейный портрет.
Между 1618 — 1621
Холст, масло. 113,5Х 93,5
Государственный Эрмитаж
Ван Дейк отдал немало времени и сил композициям на темы античной и христианской мифологии, но вошел в историю искусства и приобрел всеевропейскую прижизненную славу как портретист. Детство и юные годы художника прошли в Антверпене, где он около пяти лет работал в мастерской Рубенса. Затем последовала длительная поездка в Италию, а свой жизненный путь Ван Дейк завершил в Лондоне придворным живописцем Карла I Стюарта. Его десятилетнее пребывание в Англии оказало сильное влияние на развитие английской портретной живописи XVII и даже XVIII века.
В отличие от парадных аристократических портретов Ван Дейка с присущим им возвеличиванием моделей, в «Семейном портрете» отчетливо проявились новаторские реалистические тенденции творчества художника. Созданные им образы правдивы и естественны, художник не стремится показать портретируемых такими, какими ему хотелось бы их видеть (что делал, например, Рубенс, привносивший в портреты элемент некоторой идеализации и героизации). Основное внимание живописца сконцентрировано на спокойном безмятежном лице женщины и бледном, несколько болезненном, с заострившимися чертами лице мужчины, его пристальном сосредоточенном взгляде. Выразительны руки портретируемых, во многом дополняющие психологическую характеристику и усиливающие ее остроту: в них выявлена и подчеркнута несхожесть характеров вандейковских моделей. Портрет исполнен с большим мастерством: фактура холста, разнообразные по форме мазки, сдержанный лаконичный колорит — вся виртуозная живописная техника ориентирована на создание
единой психологической атмосферы, на передачу ощущения, возникшего у художника при встрече с подлинными живыми людьми.Голландская школа
Давид и Ионафан. 1642
Дерево, масло. 73 X 61,5
Государственный Эрмитаж
Жанровый диапазон творчества величайшего мастера голландской живописи XVII века Рембрандта очень широк: его в равной мере привлекали портрет, пейзаж, композиции на античные, библейские, евангельские сюжеты. К какой бы теме ни обращался художник, главным содержанием его искусства был человек с обуревающими его страстями. По глубине понимания внутренней жизни человека с Рембрандтом не сопоставим ни один из его предшественников и современников.
Написанная мастером в расцвете творческих сил картина «Давид и Ионафан» основана на библейской легенде. Сын бедного пастуха Давид, победивший великана Голиафа, стал оруженосцем иудейского царя Саула, но вскоре возбудил его зависть своими военными успехами и был вынужден бежать, чтобы спасти свою жизнь. На картине запечатлен момент прощания Давида с его лучшим другом Ионафаном, сыном царя Саула. Рембрандт показывает, сколь несхоже переживают герои боль предстоящей разлуки. Старший из них Ионафан сохраняет присутствие духа, хотя его скорбь, быть может, сильнее и глубже. Чувства Давида проявляются более открыто: словно придавленный тяжестью охвативших его эмоций, он приник в порыве к груди друга. Колорит картины, построенный на сопоставлении тончайших золотистых, розоватых, нежно-голубых и зеленоватых цветовых оттенков, подчеркивает волнение, охватившее героев. «Давид и Ионафан» — первая картина Рембрандта, появившаяся в России, и одна из первых картин эрмитажного собрания: она была приобретена для Петра I в 1716 году.
Голландская школа
Натюрморт
Холст, масло. 105 X 87,5
Государственный Эрмитаж
Натюрморт как самостоятельный жанр сложился к концу XVI века и в XVII веке получил широкое распространение в искусстве Западной Европы, в особенности — Голландии. Бурное развитие голландского натюрморта привело к тому, что уже к середине столетия этот жанр разделился на своего рода тематические «поджанры»: изображения цветов и фруктов, рыбных лавок, битой дичи и т. д., что породило соответствующую узкую специализацию художников. В выборе предметов для натюрморта, его композиции, трактовке форм и фактур, колорите отражались как личные пристрастия самих живописцев, так и менявшиеся вкусы зрителей и идеалы времени.
Биллем Кальф, жизнь и творчество которого прошли в Амстердаме, принадлежит к числу самых крупных мастеров голландского классического натюрморта, а картина из эрмитажной коллекции является признанным шедевром живописца. Натюрморт Кальфа относится к разряду «завтраков», включавших изображения какого-либо одного блюда (как правило, паштета или сыра), фруктов, среди которых присутствовал непременный лимон со срезанной кожурой, сосудов с вином. Художник мастерски передает фактуру каждого предмета: бокала, фаянсовой расписной тарелки, позолоченного кубка, восточного ковра, белоснежной салфетки. В картине ощущается сильное воздействие, которое оказала на Кальфа живопись Рембрандта: предметы показаны на темном фоне, яркий свет как бы оживляет их, обволакивая теплом золотистых лучей. Мотивами и красочным великолепием натюрморты, подобные кальфовскому, аппелировали ко вкусам разбогатевших голландских буржуа, их тяге к роскоши.
Испанская школа
Завтрак.
Около 1617 — 1618
Холст, масло. 108,5 X 102
Государственный Эрмитаж
Высочайшие достижения испанской реалистической живописи XVII века связаны с творчеством Веласкеса. Эрмитажный «Завтрак» — одно из самых ранних его произведений. Картина была написана, по-видимому, в скором времени после того, как, закончив обучение у Франсиско Пачеко, Веласкес был принят в гильдию св. Луки, объединявшую живописцев Севильи. Прославившийся как мастер реалистического портрета, художник в молодости работал в популярном в Испании в начале XVII века жанре бодегонов. Бодегон (в дословном переводе — «трактир, харчевня») — своеобразное сочетание бытового жанра и натюрморта. В «Завтраке» еще не проявилась чисто живописная манера, в которой Веласкес работал в зрелые годы. Форма строится с помощью резких контрастов света и тени («тенебросо») — приема, распространившегося в испанской живописи под влиянием искусства Караваджо. Несмотря на то, что персонажи изображены в движении, в их позах, мимике ощущается некоторая скованность, застылость, словно они позируют для «живой картины». Очень убедительно передана фактура предметов в натюрморте. Отмечая явный оттенок литературности в изображенной Веласкесом сцене, исследователи выдвигают разные трактовки сюжета картины. Одни видят в юношах солдат, пригласивших разделить с ними трапезу старика бродягу или отставного воина. Другие считают, что на картине показаны два молодых плута, набивающих свои желудки за счет пожилого путника. Как бы там ни было, Веласкесу удалось передать в грубоватых персонажах «Завтрака» важную черту испанского национального характера — чувство собственного достоинства.
Французская школа
Капризница.
Около 1718
Холст, масло. 42 X 34
Государственный Эрмитаж
Антуан Ватто пришел во французскую живопись в эпоху, когда господство академического искусства было поколеблено мастерами, обратившимися к реалистическим традициям фламандской школы. Воссозданное на картинах Ватто неповторимое своеобразие жанровых сцен основано на вдумчивом наблюдении реальной жизни: важное значение при работе над картинами имели для художника многочисленные натурные зарисовки. Однако вряд ли можно судить по произведениям Ватто о подлинном быте, нравах, повседневности и праздниках французского общества начала XVIII века. Жизнь военных бивуаков и театральных кулис, развлечения и сердечные дела галантных кавалеров и дам предстают в его творчестве преображенными поэтической фантазией художника. Между персонажами «Капризницы» — кавалером и дамой, по-видимому, произошла размолвка. Художник с мастерством тонкого психолога показывает, сколь разные чувства и реакции порождает у героев эта ситуация. Живопись картины, говоря словами влюбленного в искусство Ватто Александра Бенуа, «искристая, нежная по оттенкам, прозрачная по колерам, ласковая и гибкая по письму». В основе поэтики художника — его предельно личностное отношение к миру, сочетающее мечтательность, иронию, нотки грусти и разочарования, сплавленные воедино светлым поэтическим чувством.