Музей Бойманса-ван Бёнингена Роттердам
Шрифт:
Этот графический лист Иеронима Босха — один из самых примечательных в коллекции музея. Сейчас известно несколько рисунков мастера, каждый из которых уникален по своим художественным и техническим характеристикам. Так как Босх еще при жизни стал знаменитостью, главной задачей для специалистов сегодня стала атрибуция его творений (живописных полотен, авторство которых несомненно, по всему миру признано только около 25).
Данная работа в числе трех рисунков, подписанных лично Босхом. Это не штудия, а самостоятельное, полноценное произведение искусства. Его композиция очень необычна для того времени. Босх очень близко изображает ствол дерева и нескольких птиц у своих гнезд на нем. В центре сова сидит над дуплом, где ее ждет птенец. Слева — певчая птица, скорее всего, дрозд. Справа — трогающая своей непосредственностью и реалистичностью зарисовка пауков. На заднем плане — вид на местность и силуэт города. Сова традиционно означала грех в арсенале христианской символики, однако здесь ее образ необязательно должен означать пороки. Она — центральный персонаж листа. Сова
Около 1543 Жюст де Жюст создал серию из пяти гравюр с обнаженными мужчинами, которые демонстрируют чудеса акробатики. (Некоторые специалисты считают, что одним из источников вдохновения Анри Матисса для картины «Танец» (1910, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) стала именно она.) Герои, кажется, не прикладывают никаких усилий для проделывания сложных трюков, они выполняют совершенно невозможные в действительности упражнения. Манера изображения фигур примечательна: тела одновременно расслаблены, а все мышцы максимально напряжены. Данное очень необычное фантазийное произведение, без сомнения, — шедевр школы живописи Фонтебло. Так называется целая группа художников, которые работали над оформлением дворца Франсуа I в 1530-х. Де Жюст был приглашен как скульптор. Именно эта профессия может объяснить интерес мастера к разнообразию ракурсов, которые можно увидеть в представленной человеческой пирамиде.
В 1559-1560-х Питер Брейгель Старший создал несколько рисунков для гравюр, изображающих семь добродетелей. Любовь, по христианской традиции, скорее, Милосердие, — одна из трех главных добродетелей вместе с Верой и Надеждой. В их числе также Благоразумие, Мужество, Справедливость и Умеренность.
Фигура Любви стоит в центре картины, держа сердце в руке. На ее голове сидит пеликан — птица, по преданию, выкармливавшая птенцов собственной кровью. Вокруг изображены семь дел Милосердия — накормить голодных, напоить жаждущих, предоставлять приют странникам, одевать нагих, посещать больных, утешать заключенных в неволю и хоронить умерших. Традиция деяний была закреплена еще в готическом искусстве. Работа типична для творчества Брейгеля Старшего: многообразие поз, сложное сплетение сюжетов, остроумные аллегории, намеки, горькая сатира. Несмотря на обилие живого движения, композиция строится достаточно жестко. На первом плане лентой фриза вокруг фигуры Любви идет повествование. Второй план представляет собой перспективные декорации, где в домах и около порога группируются люди. «Театральный» компонент виден в том, что художник убирает целую стену в доме слева, чтобы зритель мог увидеть происходящее в нем.
Фламандский мастер Питер Пауль Рубенс — один из самых влиятельных живописцев в истории европейского искусства. Его талант проявился в очень энергичных, сочных по цветам, светоносных работах в стиле барокко. Своим творчеством художник выражал радость жизни.
В 1630 Рубенс в возрасте 53 лет женился на 16-летней девушке по имени Елена Фоурмен, младшей дочери Даниэля Фоурмена, торговца шелком из Антверпена. Она пользовалась славой первой красавицы во Фландрии. Этот подготовительный рисунок мастер сделал для живописного портрета, который сейчас находится в экспозиции Старой пинакотеки в Мюнхене («Портрет Елены Фоурмен в свадебном платье», 1630–1631).
Эта совсем маленькая по размеру работа принадлежит кисти Рембрандта. Данный портрет — не эскиз и не набросок, а самостоятельное произведение. Образ благодаря открытому взгляду героини очень простой. Мастер пишет мягкими, точными мазками черных чернил, а незаполненные участки оставляет для создания ощущения объема платья. Интересен метод создания светотени, как и во многих своих работах, художник уделяет особое внимание выразительному контрасту света, который называется «кьяроскуро».
Ценителям искусства известны потрясающие по силе света и трагической одухотворенности картины Рембрандта. В 1634 он переехал из своего родного Лейдена в Амстердам, там быстро приобрел славу великолепного портретиста и исторического живописца. Графические работы играли большую роль в распространении его влияния и популярности, их много репродуцировали, в то время Рембрандта знали именно по гравюрам. Коллекционеры и любители ценили мастерство художника в создании драматических контрастов света и тени, виртуозной гибкости линий.
Данная работа — определенно одна из самых выразительных и запоминающихся в графическом собрании музея и новаторская для своего времени. Рисунок не выгравирован, а процарапан иглой на медной пластине. Этот прием усложняет фактуру произведения, добавляет напряжения поверхности. Линии достаточно жесткие, острые, очень выразительные. Фигуры персонажей легендарного события мелькают в темноте, пространство на земле полностью занято людьми, все движется, как живая масса. Больше всего света падает на распятие со Спасителем. Такой традиционный способ символического выделения означает благодать Бога. Мастеру не важны мелкие подробности и детали, главное для него — сильное и торжественное впечатление от события в целом.
Антуан Ватто ввел моду на галантную тему в национальном, а потом и общеевропейском искусстве XVIII века. «Галантными празднествами» называли сюжеты, где изображались придворные дамы, аристократия, утонченные развлечения, танцы, пикники за городом, то есть отражавшие легкие и непринужденные будни света в стиле рококо. Мастер даже носил титул «живописца галантных празднеств», данный французской Королевской академией художеств.
Танцор изображен в четвертой позиции, с которой начинался менуэт — популярный танец эпохи барокко. Вдохновение для создания «галантных» персонажей Ватто черпал из богатой традиции итальянской комедии дель арте.
Музей владеет впечатляющим собранием гравюр Джованни Батисты Пиранези. Большая часть из них (97 листов из серии «Римские ведуты» с древними руинами) была подарена ему в 1936 коллекционером. Ведута — пейзаж, точно изображающий вид определенной местности или города. Такое название к городским панорамам стали применять именно в XVIII веке. Пиранези стал одним из самых знаменитых представителей данного жанра в истории европейского искусства. Он был профессиональным архитектором, познал славу при жизни, после публикации названного цикла. Еще одна знаменитая серия мастера — «Тюрьмы», нереальный и жуткий мир подземелья с лабиринтами и цепями.
В своих гравюрах Пиранези изображал впечатляющие фантазии на тему ограниченных пространств, руин, арок, зданий, портиков. Пиранези — мастер ритма, он так выстраивает ракурсы и перспективу, что зрителя цепляет какая-то загадка. Фигурки людей помещены лишь для понимания масштаба, они — статисты. Один из самых тонких ценителей искусства Италии Павел Муратов писал: «Легионы разбитых статуй, тучи обелисков, ваз, урн, саркофагов, алтарей, барельефов, герм, капителей и масок… Увитые плющом деревья раскидывают среди них свои ветви. Маленькие человеческие фигурки на античной мостовой кажутся рядом с ними пигмеями. Перед этими горами мраморных изваяний и архитектурных форм чувствуешь себя раздавленным. Надо было быть Пиранези, чтобы не почувствовать этого!» Римские руины — подлинные свидетели величия древней культуры, и гравюры мастера постоянно напоминают об этом зрителю.
Жан Оноре Фрагонар — знаменитый французский живописец, который работал в стиле рококо. За свою жизнь он создал более 500 полотен, а также огромное множество гравюр и рисунков.
Данное графическое произведение прекрасно демонстрирует мастерство Фрагонара — рисовальщика: тончайшие светотеневые моделировки, виртуозно выстроенный объем, плотность и массивность складок. Художник эффектно расположил двух женщин с правой стороны листа. Основное в их позах — доверительное движение друг к другу. Они делятся новостями или сплетнями. Об этом говорят искорка в глазах, хитрые и игривые взгляды. Прическа героини слева рифмуется с накидкой ее подруги. Диагональ, которая образуется пышной юбкой дамы слева и подставкой для рисования, уравновешивает композицию. Произведение кажется очень простым, ясным по настроению. Скорее всего, мастеру позировала жена Мари-Анна Жерар с младшей сестрой Маргаритой, его ученицей.