Шедевры европейских художников

Тайная вечеря

1495–1498. Стенная роспись. Темпера, масло по штукатурке. Церковь Санта-Мария делле Грацие, Милан

Одно из самых совершенных произведений эпохи Возрождения, к сожалению, очень плохо сохранилось из-за смешения масляной живописи с фресковой техникой. Таинство Евхаристии Леонардо превращает в человеческую драму – драму предательства. Светское начало в искусстве окончательно побеждает. Моральная проблема, положенная художником в основу замысла, отражала ситуацию, типичную для эпохи. Предательство, убийство из-за угла, вероломство были обычными явлениями того времени. Чувства апостолов представлены в состоянии высшего напряжения, выраженного в экспрессии движений. Особое внимание художник обращает на то, чтобы его персонажи «не казались братьями», что нередко было в картинах его современников. Каждый из апостолов воплощает конкретный тип человеческого характера, это своеобразные «психические формулы». Но образ Христа остался незаконченным. Художнику, по-видимому, не удалось достичь в нем той меры совершенства, к которой он стремился.

Мадонна Литта

1490-е гг. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Создание картины было для Леонардо интеллектуальным творческим процессом, он подходил к живописи как исследователь, считая, что с ее помощью человек познает мир, а художники, работающие «подобно зеркалу», лишь бессмысленно отражают натуру. Леонардовская «наука живописи» базируется на изучении закономерностей в природе и человеке, на использовании в искусстве открытий в области механики, оптики, математики.

Это выдающееся произведение демонстрирует совершенство художественного исполнения: четкость, органичность и ясность пирамидальной композиции, а также изобретение Леонардо, «сфуматто», – легкие прозрачные тени на щеках, в углах глаз и губ, придающие очертаниям некоторую размытость. Художник стремится сделать образ более величественным, поэтому сокращает количество деталей, его рисунок и цвет необычайно лаконичны.

Мона Лиза (Джоконда)

1503. Лувр, Париж

Мона Лиза с легкой улыбкой смотрит на зрителя, и ее глаза словно следуют за каждым, кто находится перед картиной, – в этом кроется одна из причин магической притягательности образа, созданного великим мастером. Лицо Джоконды окутано мягкими тающими тенями; залегая в углах глаз и губ, они создают впечатление улыбки, постоянно меняющей выражение в зависимости от того, как падает свет на картину. Леонардо да Винчи использует здесь прием, найденный в эпоху Возрождения и не знакомый средневековью: показ человека «с горы», то есть сверху и вдаль, к горизонту, на расстилающийся у ног пейзаж – это точка зрения господства. Таким соотношением между человеком и пейзажем он точно выражает формулу той эпохи: человек – «венец всех созданий природы».

С середины XVI века утвердилось мнение, что Леонардо изобразил жену флорентийского купца Мону Лизу, однако в настоящее время специалисты сомневаются, что луврский портрет действительно тот, над которым художник работал во Флоренции в 1503 году, и называют более 60 имен предполагаемой модели.

Микеланджело (1475–1564)

Сикстинская капелла

Фреска. 1508–1512. Общий вид росписи потолка. Сикстинская капелла, Ватикан, Рим

В 1508 году Микеланджело Буонарроти по приглашению папы Юлия II прибыл в Рим для выполнения росписей потолка Сикстинской капеллы. Первоначальный замысел предполагал изображение лишь 12 апостолов, но художник не согласился с этим проек том, и ему предоставили полную свободу действий. Он расписал весь свод площадью около 600 кв. м.: на плафоне 9 сцен из Ветхого Завета, от сотворения мира до истории Ноя, а в угловых парусах еще четыре сюжета – «Давид и Голиаф», «Юдифь и Олоферн», «Казнь Амана» и «Медный змий». Микеланджело работал над фресками в течение нескольких лет, один, лежа на спине на специально изготовленном помосте. При этом он работал в технике чистой фрески, то есть писал по сырой штукатурке, что требовало быстроты исполнения и исключало переделки. Он столько времени провел с запрокинутой головой, что после окончания работы много дней с трудом мог наклонять голову.

Сотворение Адама

Фреска. 1508–1512. Сикстинская капелла, Ватикан, Рим

Это одна из самых известных сцен Сикстинской капеллы. Седовласый Бог Отец стремительно рассекает пространство и, кажется, вот-вот коснется простертой к нему руки Адама и вольет в прекрасное, но слабое тело первого человека жизненные силы. Бог у Микеланджело предстает как гигантский творческий импульс, который вносит порядок в хаос, подчиняет мир законам разума и гармонии.

Грехопадение и изгнание из рая

Фреска. 1508–1512. Сикстинская капелла, Ватикан, Рим

Сцены «Грехопадения» и «Изгнания из Рая» разделены могучим деревом. Художник сосредоточил внимание не на сюжете, а на эмоциях героев. Если в первой части Ева изображена спокойной и не осознающей всю тяжесть нарушения запрета, то в «Изгнании из Рая» она глубоко несчастна и испугана. Примечательно, что Микеланджело не возлагал вину за грехопадение только на женщину – мы видим, как Адам тянется к запретному плоду Дерева познания добра и зла.

Святое семейство (Тондо Дони)

1504. Галерея Уффици, Флоренция

Микеланджело прославился как великий скульптор, живописец, архитектор и поэт. Во всем, что он создавал, ощутима титаническая мощь. Именно к нему применимо определение «титан Возрождения». «Святое семейство» – единственная станковая работа Микеланджело. Фигуры Девы Марии, Иосифа и Младенца Христа наполнены необыкновенной пластичностью и напряженной энергией движения. Создается впечатление, что Мария поворачивается внутри стеклянного шара, и эта подвижность усиливает скульптурный объем фигурной группы.

Картина была исполнена к свадьбе Аньоло Дони, богатого флорентийского купца, с Маддаленой Строцци, герб которой вырезан на раме.

Страшный суд

Фреска. 1536–1541. Сикстинская капелла, Ватикан, Рим

Микеланджело изобразил гнев Христа на человечество, которое оказалось не таким, каким задумывалось. Даже Богоматерь – заступница людей перед Богом, отказывается помогать им, она отвернулась от грешников и не хочет слушать их просьб. Христос, вершащий суд, изображен грозным и беспощадным судией. Вскинутой правой рукой он возносит праведников, движением левой – неумолимо отправляет грешников в ад. Обилие атлетически сложенных обнаженных тел показалось папе Павлу IV «непристойным» и он велел художнику дописать одежду, но получил отказ. Фреска была дописана Даниеле да Вольтерра, учеником Микеланджело, прикрывшим наготу нескольких фигур.

Рафаэль (1483–1520)

Донна велата (дама под покрывалом)

Ок. 1516. Палаццо Питти, Флоренция

Недолгая творческая жизнь Рафаэля целиком принадлежит короткой поре Высокого Возрождения. Его творения отмечены гармонией, ясностью построения, безмятежностью. «Донна велата» (ит. Velata – покрытая покрывалом, от il velo – покрывало) – один из самых поэтичных женских образов, созданных Рафаэлем. Покрывало является знаком заму жнего положения женщины, а правая рука, прижатая к груди, – супружеской верности. Роскошное платье оттеняет красоту молодой итальянки. В ней есть то величие и одновременно сдержанность, без которых немыслим портрет эпохи Возрождения. Тщательно взвешены каждая деталь, каждая линия и цветовое соотношение, в их согласии заключен секрет счастливой гармонии и равновесия картины.